Александр Осмеркин. Автопортрет, 1941–1947; «Волга. Рыбы», 1938 (фрагмент)
Александр Осмеркин (1892–1953) — классик отечественной живописи, представленный во всех значительных музеях бывшего СССР, профессор московских и ленинградских вузов 1920–1940-х годов, сейчас неожиданно выглядит малоизученной фигурой. При всем шумном интересе, которым недавно было окружено искусство его современников, творчество Осмеркина оставалось в стороне от ярких экспозиционных проектов. По непонятным для истории искусства причинам крупных ретроспектив Осмеркина было всего две: в 1959 и 1986 годах.
Александр Осмеркин — классический живописец, представитель так называемой московской школы, в которой сходятся две линии — европейская традиция колоризма и русское искусство ХХ века. Ученик Ильи Машкова, он художник от живописного начала, где приоритет отдается цвету. Цветом интересуются далеко не все, кто берется за кисть. Однако те, для кого законы отношений цвета и пространства — основа искусства, в иерархии живописцев считаются особенно ценными, они занимаются фундаментальным — внутренними законами живописи. Такие художники называются колористами.
Неслучайно колористическими были прославленные живописные школы — голландская, венецианская, французская, а перевороты, менявшие ход истории искусства, будь то караваджистский в XVII веке или «революция пленэра» импрессионистов, были связаны с именами художников-колористов. В истории их немного, колористом нельзя стать без определенных способностей, эти способности редки. Осмеркин — прирожденный колорист, к тому же художник школы, которая занималась именно колористической живописью.
Ученик Ильи Машкова, он художник от живописного начала, где приоритет отдается цвету.
Так сложилось, что эта школа у нас в России появилась именно в Москве. Возникли предпосылки в лице купцов-коллекционеров Щукина и Морозова. Французская живопись, которую они собирали, отдавала приоритет цвету на протяжении нескольких столетий, она была колористической. К XX веку, после «революции пленэра» импрессионистов, наступил особо плодотворный период французского искусства. Щукин и Морозов приобретали его плоды. Коллекции московских купцов оказались фантастически удачными. Они не только радовали своих обладателей, вызывали почтение и стремительно дорожали, но были очень продуктивными: на них учились художники.
Пока коллекции принадлежали своим владельцам, их можно было посещать по договоренности, они не были закрыты. После революции 1917 года коллекционеры всего лишились, однако у новой власти хватило компетентных сотрудников, которые сохранили отобранное и организовали в Москве Музей нового западного искусства. Парадоксальным образом музей просуществовал до послевоенных лет. В 1948 году он был разгромлен, и его сокровища исчезли из виду лет на 15. Но картины сделали свое дело. Они перенесли французскую школу на московскую почву, выросло поколение живописцев, озабоченных не социальной драмой, как было принято в русском ХIХ веке, а внутренними законами искусства. Гнездом таких художников оказался в первую очередь «Бубновый валет», во вторую — их потомки по линии живописи.
Выставка «Непрерывный художник» — своего рода эссе, она представляет собой ряд визуальных ассоциаций. Это попытка напомнить о художнике. Тотальная монографическая экспозиция Александра Осмеркина под силу лишь крупному музею. В ней не присутствует хрестоматийный Осмеркин, избранные его работы широко репродуцировались, многое можно видеть в музеях. Выставка-очерк собрана почти произвольно, единственное условие — время. Представленные картины написаны в 1940–1950-е годы зрелым живописцем, пережившим практически все трудности минувшего века.
Экспозиция выставки Александра Осмеркина «Непрерывный художник»
Судьба Александра Осмеркина — жизнь и приключения талантливого художника в условиях мрачной драмы — характерна для России первой половины ХХ века. Не все проблемы в его жизни были творческими, но все они неизбежно влияли на искусство.
Бурное многообещающее начало: молодой художник из провинции стремительно становится заметной фигурой в московском, бесспорно передовом, арт-сообществе предреволюционных лет. Прирожденный колорист, по собственному признанию — «кровный сын «Бубнового валета», живописец «французского художественного воспитания», он автор стильных лаконичных натюрмортов и пластически элегантных портретов-иероглифов, вписанных в сложные фоны. Точный цвет благороден. Внутренний темперамент сдержан.
В 1920-е он молодой преподаватель ВХУТЕМАСа, профессор с собственной мастерской.
На рубеже 1920–1930-х Осмеркин, как и все остальные, прислушивается к звукам нового политического тембра. С художников начинают требовать «тематическую картину» — фантом следующих десятилетий победившего соцреализма. Осмеркин предпринимает несколько попыток соответствовать. Трехметровые работы конца 1920-х годов — многофигурные композиции на революционную тему «Красная гвардия в Зимнем дворце» (1927) и «Коммунистическое пополнение 1919 года» (1929) (сейчас они находятся в собраниях Государственного Русского музея и Государственной Третьяковской галереи) — свидетельство попыток превратиться в другого.
С художников начинают требовать «тематическую картину» — фантом следующих десятилетий победившего соцреализма.
Мотив, формат, задача — все нехарактерно для живописца-лирика, однако положительный и практичный Осмеркин старается продуцировать художественную пользу. «Красная гвардия» для него — попытка осознать и прочувствовать многоплановую композицию в дворцовом интерьере, а в «Коммунистическом пополнении» художник, по собственному свидетельству, обращается к задачам Рембрандта, в том числе контрасту света и тени. Сейчас, когда со времени создания этих работ прошло почти 100 лет, авторский замысел стал очевиден. «Красная гвардия в Зимнем дворце», безусловно, напоминает фрагмент нарядной композиции Веронезе «Брак в Кане Галилейской», а «Коммунистическое пополнение» получилось у Осмеркина похожим если не на Рембрандта, то на обобщенное представление об искусстве утрехтских караваджистов.
Однако попытки соответствовать линии партии стали для Осмеркина едва ли не разрушительными. Работа над огромными полотнами отнимает у художника силы не только физические — прежде всего творческие.
Несомненно, удачным выходом стало приглашение в 1932 году преподавать в Ленинградской академии художеств. С 1937-го Осмеркин стал также преподавателем Московского института изобразительных искусств. Статусное занятие давало, кроме прочего, редкую для этого времени возможность сосредоточиться на живописи. С начала 1930-х Осмеркин осторожно подчеркивает, что он не столько «художник», сколько «живописец», оставляя другим социальные преференции, связанные с наименованием «советский художник».
Кажущейся основательностью социального положения Осмеркин пользовался до первых послевоенных лет, когда гибельная волна исключений и ликвидаций докатилась до тех, кто считался относительно благополучным. В 1948 году Осмеркина выгнали из ленинградского института, потом из московского, заклеймив и осудив за формализм, разложение и пропаганду западных ценностей. Художник находил в своем исключении из опасного социокультурного пространства положительную сторону — больше времени для живописи, но обида была сильна. Сердце чуткого живописца плохо справлялось с хорошо организованными неудачами, провалами, разгромами и прочими бедствиями. В июне 1953 года Осмеркина не стало. Он умер на пленэре, с кистью в руке.
Осмеркина выгнали из ленинградского института, потом из московского, заклеймив и осудив за формализм, разложение и пропаганду западных ценностей.
Педагогическая деятельность Александра Осмеркина — важная страница в истории отечественного искусства и ждет основательных исследований. Мастерские художника в Москве и Ленинграде пользовались огромной популярностью. Те, кто хотел учиться живописи, шли к Осмеркину.
Одна из важных особенностей экспозиции — присутствие работ Владимира Вейсберга, творчеством которого In artibus занимается постоянно. Вейсберг, не получивший официального художественного образования, посещал мастерские художников старшего поколения. Воспоминания содержат смутные сведения о посещении им мастерской Ильи Машкова, эпизоды, касающиеся Фалька и Кончаловского. Однако есть четкое свидетельство, что молодой Вейсберг посещал занятия у Осмеркина.
Ученики Осмеркина не похожи друг на друга — отличаются разными способностями, творческим темпераментом, популярностью и уровнем успеха. Однако они связаны временем, так или иначе — творческими отношениями и ключевое слово для них — «преемственность». Влияние Осмеркина на российскую, преимущественно московскую школу живописи ощущается по сей день.
Экспозиция выставки Александра Осмеркина «Непрерывный художник»
Экспозиция отражает результат эволюции Осмеркина — большую смелость в обращении с цветом, декоративность — не стилизованную, а подлинную, идущую от понимания живописных приоритетов, возникшую как результат многолетних непрерывных занятий и вдумчивого анализа собственного творчества. При всем кажущемся правдоподобии его натюрморты никогда не впадают в грех иллюзорности. Композиции Осмеркина строятся по преимуществу цветом, в них присутствует свободная живописность — внутренне строгая в отношениях с натурой.
Определение «непрерывный художник», вынесенное в заглавие выставки, дал в свое время Александру Осмеркину советский живописец Сергей Герасимов, подчеркнув тем самым неиссякаемый творческий энтузиазм мастера и логику его художественной эволюции. Кажется, что в это определение заложен и второй смысл: Осмеркин — звено той невидимой цепи, по которой в искусстве передается непрерывность знания от художника — к художнику, от мастера — к ученику, от живописца — к живописцу.
Выставка Александра Осмеркина «Непрерывный художник» в фонде In artibus продолжается до 30 ноября.
