«Комедиант» Маурицио Каттелана на выставке Art Basel Miami 2019
Может ли еда стать художественным медиумом? Несмотря на ограничения, налагаемые юридическими нормами, которые запрещают раздачу пищи в музеях, художники находят необычные пути использования этого естественного ресурса в искусстве — от скульптурных работ, созданных из бетона и мрамора, до живых перформансов с продуктами питания.
Для чего художники обращаются к еде и напиткам как к средству художественного выражения? Еда, если подумать, может быть мощным инструментом, способным вызывать понятные ассоциации и воспоминания, помогающие установить связь между художником и аудиторией. Она переносит зрителей в нужный контекст или настроение, которое художник стремится передать.
Кроме того, став художественным средством, еда может выступить метафорой, через которую художники выражают более сложные и глубокие концепции. Это может быть отражением общественных проблем, политических взглядов или даже формой протеста против стереотипов и традиционных ожиданий от произведений искусства. Подобные метафоры часто имеют глубокое личное значение для автора, одновременно предоставляя зрителям возможность интерпретировать произведение по своему усмотрению.
Анатолий Осмоловский, художник и теоретик, воплощает в серии «Хлеба» (2007–2009) сочетание декоративных форм и религиозной символики. Создавая идеально симметричные скульптуры, которые группируются в структуры, напоминающие иконостасы, художник играет с символизмом.
Хлеб как символ уюта и религиозного значения приобретает новый аспект в произведениях Осмоловского: скульптуры визуально соединяют декоративное и духовное, создавая симбиоз двух миров. Симметрия, на которой акцентирует внимание автор, добавляет новый уровень прочтения работы. Скульптуры, образованные из симметричных пористых «ломтей» хлеба, воплощают собой не только символ тела Христова, но и визуальную аналогию с иконостасом.
Сочетание религиозной символики и гармонии симметрии создает пространство для множества интерпретаций, в котором зритель может найти ассоциативный ряд. «Хлеба» становятся примером искусства, обогащенного не только религиозной подоплекой, но и глубоким пониманием декоративных возможностей их формы.
Художественная группа Slavs and Tatars использует еду как символ, напоминающий о постколониальных реалиях. Проект Pickle Bar в Берлине (расположенный рядом со студией Slavs and Tatars) — аперитивный бар, где соленые огурцы и рассол не только часть меню, но и повод для обсуждения: бар проводит воркшопы, лекции, выставки и взаимодействует с культурными учреждениями, создавая диалог между локальными сообществами и становясь доступным пространством для исследования и обмена идеями. Вкус чего может быть более понятным и объединяющим людей, чем вкус соленого огурца?
Pickle Bar расширяет символику рассола и огурцов, делая их универсальным языком, преодолевающим границы. Проект также был представлен на Венецианском биеннале 2019 года, где рассол можно было наливать из фонтана или купить уже готовый в автомате. Pickle Bar демонстрирует, что еда может быть не только физической потребностью, но и основой для диалога между культурами, а искусство — средством выражения глубоких мыслей через простые символы.
Российская художница Елена Ковылина известна радикальными перформансами. Ее работа «Не хотите ли чашечку кофе? Или сожги мир буржуазии» впервые была представлена на ярмарке Art Basel. Перформанс начинается за столом с фарфоровым сервизом и французскими пирожными-макарунами. Ковылина в театральном образе приглашает посетителей к чаепитию. В середине беседы художница медленно поднимается и поджигает стол. Участники действия оказываются перед выбором: наблюдать или реагировать. Пока стол сгорает, большинство молча сидят, испытывая неудобство. Перформанс Ковылиной превращает чаепитие в сильный символический акт, выражая драматизм и противоречие в системе, критикует капиталистическое общество.
Арт-группа «Синие носы» (Вячеслав Мизин и Александр Шабуров) создает «народническое современное искусство». Группа тесно связана с соц-артом и акционизмом. Работы «Синих носов» часто становятся объектами обсуждения и критики, хотя художники не считают себя политическими авторами. Они стремятся освободиться от стереотипов, комментируя современное общество с юмором и иронией, создавая произведения, которые иллюстрируют новый взгляд на авангард и при этом легко узнаваемы и понятны.
Серия работ «Кухонный супрематизм» игриво пересматривает супрематические композиции известных художников, включая Казимира Малевича. Вместо абстрактных геометрических фигур здесь используются обыденные предметы советской кухни — колбаса, сыр и хлеб. Эта «народная» интерпретация авангарда вовлекает широкую аудиторию, делая искусство более доступным. «Синие носы» не критикуют авангард, а иронизируют над ним, создавая визуальные анекдоты, которые легко понять даже не приближенному к современному искусству человеку и которые находят резонанс у зрителей и критиков актуальной культуры.
Тайский художник Риркрит Тиравания фокусируется на объединении людей с окружающим миром через активное взаимодействие. Во время одного из его выдающихся перформансов «Без названия» (1992) Тиравания готовил традиционное тайское карри в пространстве белого куба галереи и раздавал посетителям бесплатно. Эта концепция создала пространство, в котором зрители не только рассматривали искусство, но и становились его частью, участвуя в создании произведения и диалоге. Перформанс стал отправной точкой для последующих проектов художника.
Еда действительно может быть не только чем-то обыденным, но и средством для обсуждения сложных социальных проблем. В 2015 году Тиравания представил проект «Завтра — это вопрос?» в музее «Гараж». Он использовал еду как пластический материал для выражения идей. В здании бывшего советского ресторана в Парке Горького (ныне музея) художник сфокусировался на пельменях — символе русской кухни, доступным и бедным, и богатым, таким образом подчеркивая актуальные вопросы неравенства и использования ресурсов.
Маурицио Каттелан, итальянский художник-провокатор, с помощью простого банана и скотча стер грань между искусством и потребительскими товарами, создав пространство для обдумывания капиталистических концепций. На Art Basel Miami Beach он вызвал настоящую сенсацию и стал объектом активного обсуждения (читай осуждения). Финальное произведение получило название «Комедиант» и вызвало оживленную дискуссию, а The Guardian назвала его «сомнительно гениальной работой».
Медиа сделали историю вирусной, высказывая критику и шутливые комментарии о современном искусстве. Банан выставлялся на продажу с детальными инструкциями по монтажу и сертификатами подлинности, что подчеркивало символический характер произведения. Так Каттелан в очередной раз поднял вопрос о сущности искусства. Но мы же понимаем, что обсуждение в этой ситуации и есть художественный продукт?
Кроме того, сам случай породил множество мемов и реакций в арт-мире. В итоге арт-объект был продан за $120 тыс., а через неделю коллекционер Дэвид Датуна съел этот банан на выставке, назвав свой перфоманс Hungry artist («Голодный художник»).
Маурицио Каттелан, «Комедиант». Банан был приклеен скотчем к стене во время персональной выставки итальянского художника «Страшный суд» в Большом зале UCCA 20 ноября 2021 года в Пекине
Художница Жанна Кадырова приобрела известность за пределами постсоветского пространства своими ироничными работами. Скульптор по образованию, она экспериментирует с различными форматами и материалами, включая мозаику и объекты, чтобы пролить свет на эстетику советской пропаганды и критически переосмыслить современные ценности.
На ярмарке PULSE Miami Beach, сателлите Art Basel Miami, Кадырова представила перформанс «Маркет». Художница воссоздала атмосферу традиционного продуктового рынка, но сделала это иронично: вместо обычных продуктов на стенде были выставлены бетонные и каменные фрукты и колбасы. Посетители могли покупать арт-объекты на развес, что акцентировало внимание на арт-рынке и вопросах ценообразования, провоцируя зрителей задуматься о вечном противостоянии цены и ценности. Через иронию и символизм, используя знакомые элементы постсоветской торговли, художница подняла вопрос о ценности современного искусства и способах его оценки.
Эрвин Вурм, австрийский художник с характерным юмористическим подходом, известен оригинальными скульптурами — некоторые из его работ по форме похожи на сосиски, например влюбленные и целующиеся. Он создавал скульптуры различных форм, от НЛО до искаженных домов и даже огурцов. Один из его выдающихся проектов Hot Dog Bus — желтый автобус в форме хот-дога, сделанный из микроавтобуса Volkswagen. Автобус использовался для раздачи 50 тыс. бесплатных хот-догов в Brooklyn Bridge Park в Нью-Йорке.
Идея использовать такой автобус для раздачи хот-догов не только выразительна, но и тщательно продумана: хот-доги узнаваемы и символизируют богатую историю иммиграции. Сам художник утверждает, что сосиска с булкой — это простейший вид питания, который представляет социальную среду и отношения. Hot Dog Bus стал еще одним провокационным творением, побуждающим зрителей пересматривать понятие скульптуры как таковой.
Эрвин Вурм, Hot Dog Bus
Швейцарско-румынский художник Даниэль Шперри (р. 1930) в свое время создавал инсталляции, известные как «табло пьеж» — сцены, представляющие собой стол после приема пищи. Шперри придерживался идеи, что искусство можно найти в повседневных вещах, включая пищу. Он прикреплял использованные салфетки, пустые бутылки, грязные тарелки, окурки из пепельницы и другие элементы и неоднократно выставлялся в самых престижных музеях по всему миру. Эти сцены, хотя выглядели небрежно, представляли собой памятники атмосфере хорошей компании и беседам, продолжающимся после еды. Шперри находил искусство в повседневных предметах и материале бытия, не ограничиваясь эстетическими традициями.
Художник также основал ресторан Spoerri в Дюссельдорфе. В меню можно было найти, например, мясо, предоставленное коллекционером работ Шперри, змею или хобот слона. Ресторан подавал «все, что можно съесть, но обычно не едят».
