Впечатления Кабаре культуры: три дня русского искусства в Лондоне
Впечатления Кабаре культуры: три дня русского искусства в Лондоне
Впечатления
Кабаре культуры: три дня русского искусства в Лондоне
© whitechapelgallery.org
15 сентября — накануне Недели моды в Лондоне и за три недели до ажиотажной арт-ярмарки Frieze London — галерея Уайтчепел становится русским местом силы: совместно с фондом V-A-C она организует три вечера перформансов с говорящим названием Cabaret Kultura.

Середина сентября словно создана для поездки в Великобританию: 7-го числа началась первая Лондонская биеннале дизайна, 10-го Музей Виктории и Альберта открыл ретроспективу Pink Floyd, а Tate Modern на волне все возрастающего интереса к Острову свободы представил выставку кубинского живописца Вифредо Лама (14 сентября — 8 января 2017 года). Между этими культурными деликатесами и первыми показами Недели моды (16–20 сентября) в календарь путешественников и лондонцев вписывается громкий дебют проекта V-A-C Live — новой международной перформативной программы Фонда V-A-C Лео­нида Михельсона. В первом выпуске — Cabaret Kultura — российский художник и фотограф Сергей Сапожников вместе с артистами Русского инженерного театра «АХЕ», музыкантами и рядом выбранных фондом авторов нащупывает пересечения кабаре и авангардного театра начала XX века.

Алевтина Кахидзе. «News of Future», 2015 г.
© Ksenia Kolesnikova | whitechapelgallery.org

Лондону в целом и галерее Уайтчепел в частности V-A-C хорошо знаком: в 2014–2015 годах здесь прошла серия из четырех выставок на основе коллекции фонда. Теперь он приехал с короткой программой live-формата: вечером 15 сентября в Лондоне выступит Русский инженерный театр «AXE», на следующий день — художник Евгений Антуфьев с проектом «Мертвая нация: бинго-­версия», а в финале, 17 сентября, отметятся танцовщик Александр Кислов и музыкант Александр Селиванов. Кроме того, все три дня гости Уайт­чепел смогут изучать декорации и костюмы начала XX века по эскизам и фотографиям, смотреть новые работы современных художников, среди которых Александра Галкина, Алевтина Кахидзе и Саша Пирогова, а также фотографии Сергея Сапожникова.

Работа Сергея Сапожникова
© whitechapelgallery.org

Экзотической ноткой станет участие в Cabaret Kultura южноафриканского художника и режиссера Уильяма Кентриджа, в прошлом году поставившего в нью-йоркской The Met оперу Альбана Берга «Лулу» о молодой женщине, танцовщице кабаре, убившей одного из своих мужей. Проект «Экскурсии по выставке: для сопрано с сумкой», созданный художником вместе с коллегой по «Лулу» оперной певицей Джоанной Дадли, будет каждый вечер открывать программу смотра и станет «аперитивом» к грядущей выставке Кентриджа «Thick Time» в стенах все той же галереи Уайт­чепел (21 сен­тября — 15 января 2017 года). А это еще один повод задержаться в Лондоне подольше.

Подробнее о проекте Cabaret Kultura​ и процессах в современном искусстве вообще «РБК Стиль» рассказала директор галереи Уайтчепел Ивона Блазвик.

Ивона Блазвик

© MJ Kim/Getty Images

Дни русского искусства в галерее Уайтчепел, названные Cabaret Kultura, — это не первый ваш опыт взаимодействия с фондом V-A-C Леонида Михельсона.

 Да, последние четыре года галерея Уайтчепел представляет фонд V-A-C Лондону. Сначала мы провели серию экспозиций, которые известные британские художники создавали из произведений искусства, находящихся в коллекции Леонида Михельсона. Это стало для нас не просто важным событием, для которого мы смогли привезти великие работы из российской коллекции, но и экспериментом в области кураторства выставок.

Мы попросили четырех художников стать нашими приглашенными кураторами — и они сделали невероятное. Они изменили то, как люди воспринимают возможности работы с произведениями искусства. После этого мы решили продолжить наше сотрудничество еще на пять лет и переключиться с произведений искусства на самих художников из самых разных областей.

Старое сейчас — это новое новое.

Мы замечаем множество молодых художников из России, которые взаимодействуют с классическим театром, поэзией, голосом, местом и действием, и мы думали о том, как все это представить у нас. Тогда пришла идея сделать «кабаре». Ведь кабаре — это чрезвычайно интересная авангардная форма. С 1890-х Le Chat Noir в Париже было культовым местом, где соединялось маргинальное и радикальное, все, что противостояло массовому. Здесь сочетались антигосударственные и эротические мотивы, здесь зародилась идея сюрреализма. Это движение распространялось по Европе, и в 1916 году в Цюрихе открылось знаменитое кабаре Voltaire, где, благодаря Хуго Баллю, началось движение «дада».

В России после революции на волне пост-конструктивистского и супрематического движений театр стал чрезвычайно важным видом искусства. Мы хотели поймать этот момент и перенести его в XXI век, переделав пространство бывшей библиотеки в кабаре XXI века, которое назвали Cabaret Kultura. Мы пригласили Сергея Сапожникова, который в своих фотоработах переосмысливает окружающую обстановку, для преобразования этого пространства в место, где будут проходить перформансы. Здесь есть и столы, и сцена, это своеобразное возвращение к традиционному театральному пространству. В последнее время художники зачастую взаимодействовали со зрителем в открытом пространстве, и мы подумали, что неплохо бы, наоборот, иметь четкую, оформленную сцену, «рамку» для выступлений. Для оформления мы предложили использовать также различные индийские и африканские ткани, чтобы передать свойственную галерее идею космополитичности. Для каждого дня здесь придумана своя программа, построенная на сочетании и взаимодействии русского и международного искусства, прошлого и настоящего, художников, артистов и аудитории. Мне кажется, это станет совершенно новым и знаковым способом представления российских художников здесь, в Лондоне.

 Как были выбраны художники для этого проекта?

 Этим занимались кураторы фонда V-A-C.

 Собираетесь ли вы проводить дни русского искусства ежегодно?

Да. Но это необязательно все время будет происходить в форме кабаре. Мы хотим отражать то, что сейчас происходит в искусстве здесь, находить для этого подходящую платформу. У нас, к примеру, есть формат, когда мы представляем работы художников через живой диалог с ними — в следующий раз это может напоминать нечто такое. Сейчас мы хотим привлечь внимание к российскому современному искусству, представлять течения, которые только появляются. Пока в этом и состоит наш план на время сотрудничества, но каждый год мы будем уточнять его формат.

Возможно, формат кабаре станет постоянным, мы пока не знаем, как к нему отнесутся художники и зрители. Если по результатам он окажется достаточно сильным, то мы однозначно повторим его. Но если художники увидят другой способ взаимодействия с галереей, то это же наша задача — слушать и смотреть, быть внимательными к тому, что они делают. Мне кажется, сейчас одна из главных тем — размытие границ между видами искусства, возможность сломать четкие границы: знаете, танец перетекает в изобразительное искусство, а музыка — вербализируется. В то время, когда художники стараются быть чрезвычайно подвижными и с легкостью перемещаются из одного поля искусства в другое, я стараюсь быть максимально внимательной.

 Да, перформативное искусство сейчас все больше взаимодействует с его «классическими» проявлениями, к примеру, живописью.

— Есть и другие тенденции: с развитием цифрового искусства художники все больше используют видео в своих работах. Я также наблюдаю и обратное — возросший интерес к «предметному» искусству, всему сделанному руками, с применением, например, вышивки, ткачества, техник изготовления керамики. Также есть художники, использующие в своих перформансах скульптуру и процесс ее создания, или же керамику — из нее изготавливают, к примеру, маски для представлений. Часть этих перформансов чрезвычайно живописна, они как настоящая картина. Всевозможные виды искусства сейчас все больше и больше смешиваются. Но мы живем в материальном мире, и я не могу представить, что мы в ближайшее время потеряем с ним связь.

 Вы часто выступаете в качестве жюри на различных конкурсах, оценивающих молодых художников. Насколько сильно изменился их уровень за последние 20-30 лет?

 Я не стала бы говорить о какой-то эволюции, каждой эпохе присущи свои особенности. Дело скорее в изменении среды, в которой они работают. Искусство стало более глобальным. Раньше при слове «международное» применительно к нему, все думали о художниках из Нью-Йорка или Дюссельдорфа, даже Лондон не был поставлен на карту. Теперь же большое внимание привлекают авторы из Индии, стран Восточной Европы, Латинской Америки и Африки, а также южного полушария в целом. Мне кажется, это происходит из-за повышенного интереса к различным арт-биеннале, которые проводятся по всему свету, да и благодаря интернету художники взаимодействуют друг с другом больше. И это, на мой взгляд, наиболее значительные изменения, произошедшие за последние 30 лет. Старое сейчас — это новое новое. Думаю, многие художники поняли, что в истории искусства существует масса пробелов, и стали больше обращаться к прошлому, переосмысливать его с позиции кураторства. Оказалось, что позади есть немало свежего и неизведанного.