Все о поп-арте

Уже в конце 1960-х поп-арт стал главным направлением в США. Его последователи воспроизводили в своих работах образы из комиксов, рекламы и СМИ и создавали портреты поп-звезд. Это направление — редкий случай в истории ХХ века, когда художники не объясняли свои работы с помощью философских конструкций, понять которые могли только избранные. Банка супа, Мерилин Монро, гамбургеры — сюжеты поп-артистов (то есть художников поп-арта) близки всем и не требуют особых объяснений. На первый взгляд.

Впрочем, прежде чем поп-арт признали настоящим искусством, на него обрушилось море нападок. Мы вспомнили главное, в чем его обвиняли, и встали на защиту.

Предметы изображения — это объекты повседневной жизни, образы рекламы и массовой культуры. Поп-арт разрушил представление об искусстве как о чем-то «высоком»: отныне оно могло черпать вдохновение откуда угодно.

Так как художники в своих работах не просто использовали образы массовой культуры, а практически воспроизводили их без изменений, главным упреком со стороны адептов «высокого искусства» была неоригинальность.

Например, влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер считал, что по существу поп-арт ничем не отличается от искусства рекламы. По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности».

В общем, такие обвинения кажутся обоснованными, ведь Рой Лихтенштейн копировал комиксы, а Уорхол — фотографии из газет. Правда, не так механически, как это могло показаться. В книге «Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм» рассказывается, что Лихтенштейн, например, выбирал одну или несколько картинок из комиксов, которые печатали в газетах, перерисовывал ее, затем проецировал свой рисунок (никогда не сам комикс) на холст, обводил проекцию и, наконец, заполнял ее цветами. Хотя работа Лихтенштейна могла показаться фабричным продуктом, на самом деле она представляла собой наложение механического репродуцирования (комикса), ручной работы (рисунка), снова механического репродуцирования (проекции) и снова ручной работы (раскраска). Другие художники действовали по сходной схеме, и в результате получался сплав живописи и фотографии, а не просто прямое заимствование.

Несмотря на это критикам казалось, что поп-артисты подрывают оппозиции, на которых основывалась живопись ХХ века: высокое/низкое, абстрактное/фигуративное, возвышенное/коммерческое.

Ричард Гамильтон — создал первую работу в стиле поп-арт — коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» 1956 года. Он же дал первое определение стилю: «Поп-арт это: популярное, преходящее, расходное, недорогое, серийное, молодое, остроумное, сексуальное, бесполезное, гламурное, и Большой Бизнес».

Особенно ополчились на поп-арт и стали обвинять его в бессмысленности сторонники предшествующего ему направления — абстрактного экспрессионизма (мы писали о нем здесь). Они воспринимали живопись и картину как метафизическое пространство, что-то бесконечно высокое, а поп-артисты воспроизводили на полотнах образы из масс-медиа и показывали, что в общем-то никакой особой святой ауры вокруг живописи на самом деле нет.

Впрочем, поп-арт неправильно обвинять в бессмысленности еще и потому, что он, как и всякое хорошее искусство, анализирует современную ему реальность: в послевоенном мире все казалось тиражируемым и подверженным репродуцированию. А еще банки супа Кэмбелл и другие потребительские товары действительно были главными героями дня, ведь потребление было главным лозунгом Америки того времени.

Собственно, использование образов из СМИ или кино позволяло показать власть медиа над современным обществом (тогда же знаменитый философ Маршалл Маклюэн произнес свое знаменитое «Media is the message», то есть сказал, что каналы коммуникации не являются нейтральными способами передачи информации, а обладают свойствами, которые влияют на человека и общество сами по себе). Чтобы сделать это, художники немного изменяли образы, то есть помещали их в другой контекст, или показывали информационные помехи.

Сделанные из ткани и пропитанные гипсом, эти мороженые, сосиски и рубашки не пытались сойти за настоящих, скорее, они демонстрировали, что искусство — такой же товар, как и все остальное, а значит, можно перестать притворяться и обнажить механизмы общества потребления.

Уорхол тоже говорил о механизмах рынка: «Если ты не можешь его победить — прими его. Вдобавок, если ты полностью сольешься с ним, то у тебя появится возможность выставить его напоказ; можно продемонстрировать его автоматизм и даже аутизм на собственном выразительном примере».